烏賊の塩辛が見に行った映画や展覧会の感想など、日々感じたことを徒然に書いていきます。


by ika-no-shiokara
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レクチャーコンサート「ピアノの歴史」の最終回「20世紀の幕開け」を聴きにに行った。

去年の12月から始まったこのレクチャーコンサートもいよいよ最終回となった。最初はチェンバロとほとんど変わらない楽器だったピアノも、20世紀初頭まで来ると今と同じような鋼鉄製の巨大な楽器として成熟していく。今回持ち込まれたのは1913年製のベヒシュタイン社製のピアノ。比較のために持ち込まれた現代のスタインウェイと、見たところあまりかわらないようだ。ただ、今回演奏したピアニストの小倉貴久子さんの話では、実際に奏き比べてみると意外なことに結構違いが感じられたという。現代のスタインウェイが技術的にまさっているいわばF1カーだとすると、100年前のベヒシュタインは、高音部のハンマーが小さいために非力だったり、鍵盤を押してから音が出るまでの間が遅くて重く感じられたりするものの、スタインウェイとは違ったやわらかい音色が出せるとのこと。今回演奏されたヤナーチェクからラベルに至るまでの曲は、このベヒシュタインが活躍した頃に作曲され、このベヒシュタインのスペックを想定して作られたと言える。モーツアルト程ではないにせよ、やはり作曲された時の楽器が適していると言えるのだろう。

今回講師を務めた安田和信氏は、まずウォーラースタインを引用してこの時代が世界の覇権を持つイギリスにアメリカ・ドイツが挑み、ドイツが敗れアメリカが勝利する過程であったことを述べる。さらに、この時代は近代以前の「エスニック共同体(エスニー)」が近代的な「国民」に統合されていく時代でもあった。だが、その統合の過程は国によって様々な形を取り、必ずしもうまく統合されずに国内に民族問題を抱えた国も多かった。

このような時代に生きた作曲家たちは、やはりこの時代の子であり、民族問題に様々な形でかかわった。本日取り上げられた作曲家は、ヤナーチェク、バルトーク、スクリャービン、ラフマニノフ、グラナドス、フォーレ、ラベル、ドビュッシーの8人。例えばバルトークはハンガリー人としての民族意識から、民謡の採集に力を注ぐ。ところが、1920年にトリアノン条約によりハンガリー南部がルーマニアに割譲されると、ルーマニア音楽研究のために「愛国心」の欠如を非難されたという。フォーレ・ラベル・ドビュッシーの3人のフランス人の作曲家達は、3人ともフランスにとっては周縁的な地方の生まれであった。その意味で、彼らもフランス国内の民族問題に無煙ではなかったが、3人ともパリに出て認められ、パリで亡くなっている。フォーレはレジオン・ドヌール勲章を受けて国民的英雄になった。この勲章も、国民国家の統合のために必要とされたものだった。

レクチャーコンサートはここで終わったが、私たちはその先の21世紀に生きている。20世紀には、その後クラシックコンサート用のピアノとしてスタインウェイに象徴されるような巨大なピアノが発達した。他方、ジョン・ケージのプリペアドピアノのように、既成のピアノに束縛されない楽器を求める流れがあった。また、電子楽器の発達や、録音技術の進歩など、音楽の在り方をも変えるような様々な技術進歩があった。今や「ピアノ」という言葉だけでは鍵盤楽器を論じることはできないだろう。レクチャーコンサートでは、「作曲された当時の楽器」について考察する観点が中心だった。録音によって人工的に音楽を作り出すことが主流となってしまった現代だが、さらにその先では、人間が楽器を使って音楽を演奏すること自体が珍しくなり、「作られた音楽」が音楽とされてしまうのだろうか?いろいろなことを考えさせられる。
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by ika-no-shiokara | 2007-12-09 23:47 | クラシック音楽

ピアノの歴史 ショパン

みなとみらい小ホールで「ピアノの歴史 第6回 ポーランドの憂鬱~ショパンとその周辺」を聴いた。

今回舞台の中央に鎮座するのは1834年プレイエル製のピアノ。マホガニーでできた美しい楽器で、保存状態も良く制作当時の部品の大半がまだ残っているという。ショパンが最晩年に使っていたものと同じ、当時の同社の最高級モデルだ。ショパンはプレイエルのピアノを最も愛した。前回シューベルトの回に解説されたエラールのダブル・エスケープメントは確かに連打を容易にし、ピアノの表現力を格段に拡大したが、サロンで繊細な表現を演奏するのを好んだショパンにとっては、シングル・エスケープメントのプレイエルのピアノの方が、自分が表現したいと思っている感覚を直接ハンマーに伝えられるような気がして、好ましく感じられたという。
このピアノは、今回出演したピアニストの有田千代子さんの有田家が所有するピアノだとのこと。博物館などではなく個人に所有され、大切に使われているという意味でも大変貴重な存在で、本日実際にそれが演奏されるのを聴ける素晴らしい機会となった。

さて、ショパンを特徴づけるのは、彼の祖国ポーランドに対する情熱である。周知のように、彼の祖国ポーランドは列強により段階的に領土を分割させられ、ついに国そのものが消滅してしまう。彼はパリに亡命するが、生涯帰国することはできなかった。彼と同じようにパリに亡命したポーランド人が約7000人おり、ポーランドのロマン主義は亡命ポーランド人が集まるサロンで花開いた。ショパンは音楽の分野でその一翼を担った。このレクチャー・コンサートでは、ショパンの作品からマズルカ・ポロネーズ・ノクターンを1、2曲ずつ選んで演奏した。マズルカは、マズルというポーランドの舞踊に特徴的なリズムを持ったもの。3拍子でアクセントが2・3拍目に置かれ、低温の持続音が鳴り響くのが特徴。ポロネーズは、ゆったりとした優雅な舞踏。実際にポロネーズを踊っている映画のシーンが上演されたのでよくわかった。(本日演奏された幻想ポロネーズは、ショパンによって舞踏曲とは思えない芸術性の高い作品に仕上がっているが。)
ノクターンは、アイルランド人のジョン・フィールドによってピアノ小品のジャンルに用いられるようになったが、ショパンは彼に影響を受けてこのジャンルを作曲するようになったとのこと。

最後に、ショパンのチェロソナタが演奏された。ベートーベンの回で同じようにチェロソナタが演奏されたが、今回はそれとも比較してピアノとの関係をよく聞いてほしいとの話があった。プレイエルのピアノも、現代のピアノとは違ってチェロを過度に打ち負かしたりせず、よい釣り合いを保っている。チェロが主旋律を弾くところ、ピアノが表に出るところ、両者が競うところなど、うまくバランスが取られた演奏になっている。プレイエルのピアノには本来第2響板が備わっているが、440席のみなとみらい小ホールでは残響が効きすぎるので外して使ったそうだ。例えば以前に山手プロムナードコンサートを聴いたべーリックホールなどで演奏したらどうなっただろう、などと想像するのも楽しい。

細かく書かなかったが、レクチャーを行った野本由紀夫氏は次から次へといろいろな資料を紹介し、時間がいくらあっても足りないほどだった。時々「瞬間芸」と称して野本氏自身がピアノを奏いたりして、説明するのが楽しくて仕方がない感じだ。このシリーズでは無理だろうが、また野本先生の話を聴けるチャンスがあると良いなと思った。
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by ika-no-shiokara | 2007-07-15 18:03 | クラシック音楽
みなとみらいホール(小ホール)でのレクチャーコンサート「ピアノの歴史」に行ってきた。

以前にも書いた通り、このレクチャーコンサートはピアノの楽器とピアノ曲の歴史を当時使われたピアノ(の復元版)を使用することにより明らかにしようとする意欲的な試みだ。前半の4回が終わり、今回から後半の4回が始まる。前半の第1回と同じように今回も本題のシューベルトの前に企画者である渡辺順生氏によりキー・ノート・レクチャーがあった。我々は今までの4回でベートーベンまで来たわけだが、ピアノの歴史にとって最後の大発明となったのが1822年にエラールが実現したダブル・エスケープメント・アクションだった。これにより、ハンマーが完全に元に戻る前に再び弦をたたく操作が可能となり、キーの連続打鍵ができることにより表現力が一層向上した。この翌年にシュトライヒャーが全く別の技術であるダウンストライキング・アクションを発明したが、時既に遅くエラールの技術を乗り越えることはできなかったという。

1時間の休憩時間では、これも第1回と同様レセプションルームに本日のピアノが持ち込まれ、楽器の説明や試演が行われ、実際にそれらのピアノを奏くことも許された。(ピアノが奏けない自分が悲しい!)

さて、本題のシューベルトだが、東京音大の村田千尋氏により講義が行われた。テーマの「シューベルトの2つのまなざし」というのはシューベルティアーデと呼ばれるサロンで友人の作った詩に対して作曲する時のまなざしと、ゲーテなど大詩人の詩に対して作曲する時のまなざしのことを言っている。前者が後者に比べていいかげん、ということではないのだが、友人から頼まれた時には即興的にすっと曲を仕上げてしまうシューベルトだったが、ゲーテを相手にする時には何度も推敲を重ねて曲を仕上げたと言う。

シューベルトの時代には、音楽を聴くことよりも音楽を演奏することが楽しみの中心であり、上流階級の屋敷では、サロンが頻繁に開かれ様々な分野の著名人が招かれて珍しい話が披露され、音楽もそのようなサロンに集まった人々の間で楽しまれた。シューベルティアーデもそのようなサロンの一種なのだが、特徴的なのはサロンは普通は主催者の名前を冠してよばれるのだがシューベルティアーデは招待される立場のシューベルトの名前を冠していることだ。それだけシューベルトが皆に愛されていたということだろう。代表作として、軍隊行進曲などが演奏された。どうもシューベルトというと、不遇のうちに若くして世を去ってしまった人というイメージがあるが(映画「未完成交響楽」のイメージか?)ちょっと違うかんじだ。

こんなサロンで楽しむために作曲した曲がある一方で、彼は芸術性の高いシリアスな曲も作っていた。当時の作曲家はオペラを作曲するか、ベートーベンのように器楽曲で大成するかの2つの道があったが、前者を断念したシューベルトはベートーベンの道を目指した。代表作として、亡くなった年に作られたピアノソナタ21番(D960)などが演奏された。ブレンデルのCDでよく聞いていたこの曲を実演で聴くことができて楽しめた。

シューベルトが使っていたピアノは、当時としてはやや古風になるウィーン式アクションのピアノで、彼はそれほど演奏に卓越していたわけでは無いようだ。(自作を演奏することも時に困難だった。)講師の村田先生は、博物館などに現存するピアノや当時の絵画・文献などを駆使してシューベルトの使ったピアノや彼のピアノの腕について考察を進めた。豊富な実例に基づく説明は非常に説得力に富んだものだった。

というわけで、今回も午後4時に始まったレクチャーコンサートが終わったのは午後8時半を回るという充実した内容だった。今後も期待できそうである。
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by ika-no-shiokara | 2007-06-16 23:43 | クラシック音楽
横浜みなとみらいホールでレクチャーコンサートシリーズ「ピアノの歴史」第4回を聴いた。

昨年末に第1回に参加したときのことをこのブログにも書いたが、その後1月に行われた第2回(ハイドン)も興味深く聴いた。びっくりシンフォニーなどのせいで好々爺然とした印象を持たれているハイドンが、実はいかに苦労して作曲家として暮らしていたのか、彼の作品に込められた謀略とは?というような話だった。2月の第3回(モーツァルト)は残念ながら同じホールの大ホールでマタイ受難曲を聴きに行ったためスキップし、今回は第4回。ベートーヴェンがテーマである。

考えてみるとベートーヴェンをしばらく聴いていなかった。学生時代はそれこそ音楽の神様のように思って交響曲からピアノソナタ・弦楽四重奏曲などのLP(!)をかしこまって聴いていたものだが。後期のピアノソナタの芸術の高みをわかったような顔をしてステレオに聞き入っていたのが、今考えると気恥ずかしい。

このレクチャーシリーズを通じたテーマでもあるが、3時間半にも及ぶレクチャーと演奏は、ベートーヴェンの時代のピアノによる演奏を通じて彼の作品に対して後世に手を加えられたものをそぎ落とし、現代に一般的となってしまったとは別の理解を与えてくれた。楽しくも「重い」コンサートだった。

3部構成の第1部は、「悲愴」の第1楽章と「テンペスト」全曲の演奏。前者は1818製作のシュトライヒャー、後者は1790年製作のホフマンが使用された。講義をされた渡辺裕教授の意図は、突き上げ式アクションによるダイナミックな表現が可能なパリのエラール・ロンドンのブロードウッドを贈られたベートーヴェンがその先進性に飛びついたことは事実だが、彼の本質はウィーンのピアノ文化に根ざした作曲家だったことを実証すること。当時のピアノで演奏すると、後世のピアノのようなダイナミックな表現はできない代わりに弱音のニュアンスに富んだ繊細な演奏が可能だった。また、ベートーヴェンの当時の楽譜を見ると、フォルテピアノに代表されるような「弦楽器を模した演奏法」が指定されていた。これは当時の音の減衰が早いピアノだから実現できたのだが、後世のピアノでは逆にうまくできなくなり、またピアノ独自の演奏法が確立していく中で、すたれていく。例えば「悲愴」の初版と19世紀末の版を見比べると、初版にあったフォルテピアノの表現は「最初の1音がフォルテで次の音符がピアノ」というように書き換えられている。云々。

第2部は、「テンペスト」第1楽章と「ピアノソナタ第30番 Op109」全曲の演奏。前者では、第1部と同様、初版の楽譜にある、ダンパーを外した後回復させるタイミングが、後世のハンス・フォン・ビューローの版では大幅に早められている点を指摘。後世のピアノでは、初版のように長くダンバーを外したままにしておくと、減衰が遅いので不協和音に耐えられなくなってしまう。後者では、シュトライヒャーのピアノの「Una Corda」ペダル(通常3本の弦をたたくところを1本のみをたたく)を使う指示があり、当時のピアノによる繊細な表現が意図されていたことを指摘。なお、30番では、最初の楽章が現在2つの楽章に分けて解釈されているものが初版では段を分けずに続けて記載されており、それを踏まえると前半部分と後半部分の冒頭で右手の旋律が主題だと思われているが実は左手の旋律が主題であり前半・後半とも長調・単調がちがうだけで同じものだと言う。ここでも2つの部分の切れ目にペダルが使われており、その表現が曲全体の解釈に影響を及ぼすことを言っていると思う。

第3部は、チェロソナタ2曲(第2番、第5番)が演奏された。渡辺順生氏の意図は、現代のピアノではピアノの音に押されてチェリストが負けないように苦労しているが、当時のピアノでは逆にチェロの音が勝っており、チェロが最低部でピアノを支えながら楽々と運んで行くような書法が随所に見られる点を見せることだった。なるほど、実演を聴いて見ると実にチェロとピアノのバランスが良い。チェロの旋律がくっきり浮き出てきて鮮やかな印象を受けた。

このレクチャーシリーズは、これで前半4回を終了。後半4回のチケットは入手済み。今までよりもよい座席が取れたので、ますます楽しみだ。
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by ika-no-shiokara | 2007-03-25 09:47 | クラシック音楽

ピアノの歴史

みなとみらいホール(小ホール)で行われたイベント「ピアノの歴史」に行った。

このイベントはピアノが生まれてから現代に至るまでの歴史を、各時代に作られたピアノ(の復刻版)を使って当時のピアノ用の作品を演奏することによりたどるという、とても魅力的な企画だ。第2期を含めて8回のイベントにより300年の歴史をたどるという、今回がその第1回だった。

最初に「キー・ノート・レクチャー」と称して松本彰新潟大学教授によりピアノの歴史の概説があった。鍵盤楽器としては15世紀にパイプオルガンが最初に生まれた。パイプを用いるこの楽器は「管楽器」であったが、その後「弦楽器」たるチェンバロ・クラヴィコードが使われるようになる。チェンバロが音の強弱を付けにくい欠点があったのに比べ、クラヴィコードは音の強弱や微妙なニュアンスを出すのに優れていたが音が小さいことが欠点だった。(ここで、実際に舞台に並べられた現代ピアノ・チェンバロ・クラヴィコードの弾き比べが行われた。百聞は一見に如かず、というが、百聞は1聴に如かずと思わずうなずく。)ハンマーで弦をたたく「弦楽器ー打楽器」たるピアノが発明されると、最初は「新型チェンバロ」としてチェンバロと並行して使われたが、やがて主流を歩む。クラヴィコードは目立たない存在のようだが、それでもワーグナーの時代になっても彼は作曲時にはクラヴィコードを使っていたらしい、という話は知らなかった。

1時間のレクチャーの後、休憩時間にチェンバロが休憩室に移動され、このイベントを企画した渡辺順生氏がみずからチェンバロの仕組みを回りに集まった聴衆に説明する。弦が3セットあって、2セットの鍵盤でいろいろな演奏の仕方ができることを実演によりわかりやすく解説された。

休憩後がいよいよピアノの歴史本題である。舞台上には18世紀イタリアでバルトロメオ・クリストフォリにより作られた最初期のピアノの「拡大復刻版」が置かれ、渡辺氏の講義とチェンバリストの大塚直哉氏による演奏が交互に行われた。この楽器を製作した久保田彰氏も舞台に呼ばれる。クリストフォリはハンマーの回転により音を出すというピアノの原理を発明した。なるほど、音を聞いて見ると一見チェンバロ風に見える楽器だがやはりピアノらしい響きを持っている。この楽器と同時代のスカルラッティの曲が演奏された。ホロビッツのCDで親しんできた曲がずいぶん印象が異なるものだ。(こちらの方がオリジナルに近いのだろうが。)演奏した大塚氏いわく、普段チェンバロを弾いているので18世紀当時の演奏家と同じ感覚で新鮮な感動があったという。
これに続いてドイツで鍵盤付ダルシマー開発競争が行われる中で、ジルバーマンが現われる。J.S.バッハに自作のピアノを弾かせたところ「鍵盤が重い」と不満を言われたジルバーマンは、その言葉に奮起し、10年後にクリストフォリの模倣に加えてダンパー・リフティング機構を考案し、現代のピアノに繋がる楽器を生み出す。ちょうどその頃バッハが作曲していた平均率第2巻はその楽器を使って作られたはず。久保田氏が自作のピアノにダンバーをオフにする仕掛けを取り付け、大塚氏が平均率第2巻を弾く。当然ながら先ほどのスカルラッティに比べ、残響音が長く残ったロマンチックな演奏になった。何か歴史をタネにした実験をやっているようで、わくわくした。大塚氏は話をしているときの印象と同じく、演奏する時にもとても丁寧な端正な演奏をする。歴史的ピアノとよく合って好ましい。
最後にJ.S.バッハの音楽の捧げ物が弾かれてこの回が締めくくられた。フリードリヒ大王からもらったテーマによりバッハが即興演奏したものを元とするこの曲は、聞くものにバッハの超人的な才能を感じさせずにはおらない。どんな楽器でも楽しめるであろうこの曲を歴史的ピアノで聴くのは逆に新鮮に感じられた。学生時代、弦楽合奏団でよく弾いた曲だった。

素敵なイベントはあっという間に終わってしまった。今後7回このようなイベントが続くとのことで、とても楽しみだ。スケジュールが合えばまて来て見ようと思った。
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by ika-no-shiokara | 2006-12-16 23:59 | クラシック音楽